Yo les creo I

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Como un cataclismo, una hecatombe diría yo, retumbó en la escena literaria mexicana la iniciativa #metooescritoresmexicanos. El sábado desde muy temprano, tal vez desde el viernes por la noche, comenzaron a aparecer, enlistados, los señalamientos de hostigamiento, acoso y abuso sexual contra escritoras por parte de sus compañeros de profesión. El dolor a cuentagotas no tardó en volverse un torrente de desesperación, impotencia y frustración ante una serie de actitudes qué refleja no solamente el abuso del poder con qué algunos ejercen la masculinidad, sino que también dejó entrever un comportamiento sistemático de sometimiento hacia lad escritoras

No significa que el escritor sea una especie de neandertal afectivo que busca a toda costa, con cada una de sus acciones, desgarrar la feminidad que lo amenaza. Observando detenidamente la iniciativa pude darme cuenta que era apenas un frente de muchos, poniéndole nombres y apellidos a abusos en ámbitos como la fotografía la música y otras disciplinas artísticas. Vendría luego oportunidades para señalar a periodistas políticos, etc.

Lo primero que me cayó como un balde de agua fría fue encontrar el nombre de un colega estimado quién fue señalado por una colega mujer muy querida para mí. De bote pronto no supe que pensar. No era la duda sino el escozor de la certeza de que todos somos Jack y mister Hyde, que todos tenemos nuestro “Dark side of the moon”. Por supuesto que ella, una brillante escritora hidalguense, jamás se había presentado ante mí cómo tejedora de la intriga y la venganza, al contrario, por lo tanto aceptar la verdad y enfrentar la cojera afectiva de este escritor resultó un inquieto descanso.

Al avanzar por la lista encontré nombres de otros amigos, algunos otros con los que he coincidido en algunas ferias literarias, otros que tenían para mí cierto prestigio y por supuesto un par de nombres de escritores hidalguenses cuyo comportamiento con hombres o mujeres provienen siempre de la envidia y el desagrado. De este par no me resultó difícil de creer (lo que da miedo es que uno de ellos es funcionario federal, y del ámbito educativo).

Para el domingo la lista era casi interminable. Las historias, por más inverosímiles que parecieran ante los ojos de aquellos que querían seguir ocultando el sol con un dedo, eran desgarradoras por decirlo menos. ¿Qué nos llevan a maltratar lo que decimos querer más, lo que admiramos, el objeto de nuestros deseos literarios? ¿En qué momento creemos tener la oportunidad de desbocar nuestras más cavernícolas pasiones sin importar atropellar la dignidad de una mujer? Esto no implica que ser escritor sea la peor condición afectiva qué puede tener un hombre. No. No nos confundamos. La ausencia del control de nuestras emociones no tiene que ver con la profesión y mucho menos con la vocación. Tiene que ver con un esquema de valores deteriorados que adquirimos en y que fue potenciado por una sociedad consumista que presenta a la mujer como un objeto, el cual puede ser tomado sin la oportunidad de la objeción.

No tardaron en aparecer las disculpas, los pretextos diría yo, en textos cuidadosamente redactados tratando de  ocultar con la tersa narrativa el verdadero problema. Por supuesto que la aceptación de la culpa es importante pero nada justifica el actor violento. Nada. Lo más lamentable fueron las expresiones de desaprobación arguyendo que el carácter anónimo de la mayoría de las denuncias era su punto débil. Por el contrario ahí radicaba su fortaleza; es muestra del miedo que se inocula en la persona maltratada y que crece alrededor de la autoestima hasta asfixiarla, dejando sin armas a la víctima para enfrentar cara a cara a su abusador.

Yo les creo. Aquellas escritoras que conozco y que tuvieron el valor de utilizar sus nombres para denunciar con nombres a sus abusadores. Yo también les creo a aquellas que no conozco. También les creo aquellas que no se han atrevido a denunciar ni siquiera con la protección del anonimato. Les creo a dos colegas mujeres muy queridas que han tenido la confianza conmigo de compartirme los abusos que han sufrido cada una en lo particular por parte de escritores. De ellas, anónimas por su puesto, quiero hablar.

No a la violencia en el ámbito literario. No a la violencia en ningún ámbito de la vida pública ni privada. No a la violencia contra las mujeres. Yo les creo.

Becas y bocas

Por accidente leí una superflua e insulsa opinión sobre el debate que se ha cernido sobre el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) tras los cuestionamientos de la comunidad cultural sobre sus nuevos esquemas de operación y, la sorpresiva y lamentable salida de Mario Bellatín de su Dirección General.

La opinión en cuestión –desdibujada por la mano de un escritorcete hidalguense que se ha refugiado en las páginas digitales del Estado de México tras haber hastiado a la comunidad local con sus envidias, timos y un talento ramplón–, miraba a los apoyos gubernamentales al arte como la tierra prometida y negada, arguyendo que el único talento de quienes la obtienen es saber “cómo” presentar proyectos y, que a la postre ninguno, o en el mejor de los casos pocos, de los becarios dan continuidad a sus proyectos artísticos.

Por fortuna no todas las opiniones sobre el tema están asomadas desde la frustración de nunca haber obtenido un apoyo, ni son tan obtusas para generalizar la producción de quienes las obtienen. Muchos de los beneficiarios han comentado en redes sociales sus experiencias como becarios y, en algunos casos, como posteriores asesores demostrando que el ejercicio del becario resulta ser un experimento que, con sus excepciones, permite un desarrollo interno que revitaliza el quehacer creador.

El problema fundamental radica en la manera en que se ven las “becas artísticas”: como un fin. Aquellos que aspiran a obtener uno de esos poyos, y sobre todo aquellos que por más que han intentado no la han obtenido, creen que la beca les construirá mágicamente el prestigio y, peor aún, el talento. Ridícula idea. Las becas deben ser vistas solamente como una oportunidad de dedicar más tiempo al desarrollo creativo, gracias a que el dinero obtenido permite que uno deje alguno de los dos o tres trabajos que todo artista tienen para poder sobrevivir paralelamente a la elaboración de su obra. Pero también deben ser asumidas como el reto de medirse con uno mismo, de enfrentar las propias carencias artísticas que no necesariamente tienen que ver con el poco o mucho talento que se tenga, sino sobre todo con los esquemas de trabajo, la disciplina, el empeño y el compromiso de cada creador. Cuando las becas, como los premios, son el fin del artista, se convierten precisamente en eso, en el “fin” del artista.

Hace tres meses, la llegada de Mario Bellatín a la dirección del Fondo, fue un aliento de esperanza de que sus apoyos fueran distribuidos de manera más eficientes y que las reglas para obtenerlo, así como el “uso” de los resultados fuera más eficaz. Acucioso e incisivo como es, Bellatín hizo un análisis que ha planteado la posibilidad de mejora interna, sin embargo su salida repentina hace tambalear la oportunidad de que el FONCA deje de mirar con desdén a los creadores que habitamos más allá de la Ciudad de México (más del 60% de sus apoyos se concentran en la capital del país), entre algunas otras deficiencias que dejan a un amplio sector de los creadores, sin posibilidad real de obtener una beca.

En los estados, la implementación del PECDA (Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico), ha resultado una grata experiencia para muchos de nosotros y, particularmente en el estado de Hidalgo, una oportunidad constante y sonante para consolidar la carrera de muchos creadores que han continuado bregando en la sinuosa autopista del arte, en la mayoría de los casos, con estupendos resultados.

Paso cebra

Hoy es Día Mundial de la Poesía. Felicidades a todos los poetas, pero sobre todo, albricias por la poesía que no siempre concurre a las manos de quien trabaja la palabra, pero cuando lo hace, su sortilegio dura para siempre.

Incendiar el mundo o el análisis poético

Me resultó por demás sorprendente. Debo confesar que incluso llegue a sentir eso que la cursilería llama “mariposas en el estómago”. Paré mi bicicleta en la luz roja y al alzar la vista lo encontré. Un espectacular tan ordinario como todos, con un mensaje tan extraordinario como pocos: un ciclo de análisis poético en Pachuca. Ya no resulta extraño ver anuncios de actividades culturales en la ciudad, sobre todo aquellos que invitan a conciertos, obras de teatro, montajes de danza, pero el arte literario pocas veces había merecido una oportunidad de perifoneo visual de tal envergadura. No tengo que decir que mi corazón dual de poeta y lector de poesía se sintió mucho más, muchísimo más que reconfortado.

El ciclo está organizado por “El ojo de Faetón / Circulo de estudios ante la poesía”, agrupación sui generis que busca generar espacios donde poder hablar sobre el poema, la poética y sobre el poeta; estos tres “personajes” que siempre van a aparecer en el acto maravilloso de la lírica. Hay muchos espacios para recitales, lecturas, presentaciones de libros, pero muy pocos para hablar del ejercicio y el oficio poético. El Ojo del faetón es ese espacio.

El proyecto se gestó hace casi dos años, en las mesas del legendario café La Habana, otrora sitio de reunión de los grandes periodistas mexicanos y latinoamericanos del Siglo XX. Mientras Daro Soberanes y Ángel del Corral tertuliaban sobre arte y literatura, se lamentaban que no existiera un espacio para el análisis poético, para la discusión sobre el poema. Llegaron a la conclusión de que la única manera de tener un espacio así era creándolo. Surge entonces el grupo denominado el Ojo de Faetón, como una suerte de cátedra en la que un ponente exhibe ante un grupo participante (en el mejor sentido del término) su visión antes alguno de estos tres (o todos) elementos ya señalados: el poeta, la poética y el poema. Más adelante se integraría Alejandra Estrada, Juan Guillermo Leda, Israel Soberanes (desde Guadalajara) y la hidalguense América Femat.

El Ojo de Faetón, se ha transformado, al paso de los meses, en una de las iniciativas del sector cultural de la región más interesantes. Sus ponentes ha sido variados y sus resultados han llamado la atención de propios y extraños. La razón es sencilla, para aquellos que amamos la literatura resulta siempre deseable obtener puntos de vista que nos ayuden, nos guíen o incluso nos disuadan el los senderos laberínticos de nuestras lecturas y la comprensión que de ellas conservamos. Pero por si esto fuera poco, un ciclo como este es Macondo para aquellos que sufrimos el acto de la creación literaria –no digo lo último como una pose de o con embustera modestia, el escribir es una catarsis, un doloroso escarbar en las heridas, un dantesco acto de autoflagelación– para quienes el proceso poético va más allá de apilar líneas cortas unas sobre otras o buscar rimas de outlet, significa el poder mirar en la experiencia de otros escritores el reflejo de las muchas frustraciones y las pocos gozos que se padecen para lograr convertir los versos propios en verdadera literatura.

El ciclo, ya en su sexta edición, tiene al menos tres semanas de hacer iniciado y le queda una o dos sesiones más (todo depende del momento en que usted este leyendo esta columna). Ha tenido a escritores queridísimos y admirados como los poetas Yanira García, Diego José y Martha Miranda, y nos dará la oportunidad de escuchar durante la tercera semana de marzo al novelista Rafael Tiburcio.

Faetón, el primogénito de Helios en la mitología griega, quiso un día conducir el carruaje de su padre, el sol mismo. Faetón era arrojado. El día que se lo permitieron, se elevó demasiado y enfrió la tierra, al tratar de corregir incendió la tierra. Pero su mirada osada lo llevó a una aventura que hizo arder lo que permanecía anodino.

Si usted está interesado en la poesía como lector, hacedor o piromaniaco, dese una vuelta los jueves en el café Radio Express que dobla la esquina del Jardín Colón, en el Centro Histórico de esta calurosa y siempre airada ciudad nuestra. Ojalá no encontremos por allá.

¿Dónde empieza, dónde termina?

¿Cuáles son los libros nuevos? ¿Lo recién salidos de las fauces de la imprenta? ¿O aquellos que nos encontramos por primera vez sin importar la edad que tengan (ellos y nosotros)? Yo

Por mi camino lector se ha cruzado un libro nuevo de Agustín Ramos, nuevo para mí por supuesto, publicado originalmente a principios de 2005. Pienso ahora que esta reseña llega catorce años tarde. ¡Nunca es tarde!, diría mi abuelo que se fue temprano por desgracia.

“Como la vida misma” es, a mi parecer, la mejor novela del tulancinguense Agustín Ramos. Ubicada en Pachuca, la mecha de su artillería es la calle de Allende, cuya esquina primigenia es el punto condicente de tres historias que se van entrelazando y esbozando el perfil de una ciudad y sus habitantes, su herencia, su devenir y lo que no que nunca serán.

Ramos, poseedor de un estilo inigualable, no presenta un texto incisivo, con una voz que procura, con mucho tino, ser eco del habla popular de los barrios mineros, tanto como el de las colonias que poco a poco fueron descendiendo de las faldas de los cerros para comenzar a invadir el valle donde ahora ostentan el prestigio que de la “antigüedad” urbana.

Caramelo, una prostituta de abolengo transformada por la crueldad de los años en una pordiosera, vendrá bajando por las estrechas y laberínticas calles altas, trayendo consigo una estela donde podemos observar la historia de nuestra ciudad; sus orígenes, sus ilusiones de grandeza, su ostracismo a los poderosos. La ciudad como un ente holístico, formado por sus habitantes, por sus memorias y por sus olvidos.

En esa esquina donde empieza la calle que es la muestra, el botón, de la personalidad de la ciudad toda, Caramelo estorbará el vertiginoso descenso bicicletero de Francisco, maestro universitario e intelectual desafortunado, quien por no arrollarla emprenderá un vuelo tan amateur como fallido, que lo llevará a caer a los pies de Lupita, una joven tan bella como extraviada en las concupiscencias de una generación que no tiene (tuvo, tuvimos) mayor escape de la realidad provinciana que el desmadre, el ahogo etílico, el naufragio sibarita de las drogas.

Los recuerdos de estos tres, rescatados del fondo del estanque pestilente del tiempo, van acompañados por la voz narrativa que levanta el dedo, que escupe limón en la herida, que saca los trapos sucios al balcón principal, que señala con velos propios de la ficción a personas tan reales que son fáciles de adivinar para quien conocer y ha vivido, digo, sufrido el desarrollo social, cultural, histórico e intelectual pachuqueño.

Ramos es en este libro se muestra vigoroso, malabarista del ritmo narrativo, envolviendo al lector en una realidad tan nítida que cualquier que no conoce Pachuca juraría que es pura ficción; precisamente por eso, por ser la realidad más cruda y reluciente la única manera posible de abordarla era la novela.

Personajes que se extrañan a la vuelta de la última página, que se hubieran querido conocer si existieran, con los que usted y yo nos hemos cruzado por la calle, que están en la lista de nuestros encuentros futuros.

Ante mis ojos resalta un rasgo que fascina, el toque poético que tiene la novela, ingrediente que el autor parece haber puesto como marca indeleble a la taxidermia de una ciudad que también lo vio caminar en sus entrañas, leer, escribir, trabajar, para ser masticado como todos nosotros y escupido como todos lo seremos.

Y es que, parafraseando a Agustín, la calle de Allende es como la vida misma, nunca sabe uno dónde empieza, apenas podemos adivinar dónde continua y nunca sabemos con certeza dónde termina.

Es este, un libro cautivante y, aunque me quede en la lengua el sabor a cobre del lugar común, imprescindible para la literatura hidalguense.

Un apunte sobre “Gallos”

Hace ya algunos años, mi querido amigo Francisco Meléndez me invitó a un proyecto sumamente interesante. Paco, actor de cepa y compañero de innumerables batallas culturales que nos permitieron templar una amistad cercana, me quería para adaptar una obra con la que deseaba celebrar 20 años sobre el escenario. El título del texto era “Los gallos salvajes” de Hugo Argüelles. Por el lazo que nos une acepté encantado, no sin cierto temor por no lograr un trabajo satisfactorio y a la altura de la celebración que quería emprender con el resultado.

El texto es una delicia. Atiborrado de referencias políticas y sociales alrededor de los cacicazgos setenteros que lo mismo se daban en la provincia que en el sindicalismo, en la política que en las familias poderosas y no tan poderosas. Pero está característica avejentaba al texto, cuando el planteamiento había perdido actualidad no por la desaparición de los cacicazgos que mencionaba, los cuales superviven en nuestros días a costa de lo que sea como una costumbre arraigada en el tuétano de todos los estratos sociales; el uso de poder como soga, como arma.

En una segunda lectura, detrás de toda la carga política encontré una historia paralela que valía la pena traer al frente: el machismo, el abuso del poder a partir de amor y la sexualidad, el deterioro de la personalidad de un joven por la herida provocada por el padre y un ambiente cargado de podredumbre humana. Es hilo desmadejó un nuevo planteamiento que se basó en el odio y la venganza.

Fue un privilegio para mí poder jugar con una obra tan bien construida, ten bien cimentada que fue un placer malear el esquema argumental hasta un punto poético en dos de los momentos de la trama, los cuales hablan específicamente de la muerte y la manera en que un hombre y un niño se enfrentan a ella en un mismo momento donde se mezcla dos pasados uno consecuencia del otro y viceversa.

Durante los ensayos, primero se dio la magia final, e, ajuste final de la adaptación ocurrió en la duela donde los actores fueron encontrando sus personajes y sus voces, logran una integración sumamente interesante que logra transmitirse al espectador.

La obra tuvo una primera temporada bajo el nombre de “Gallos Salvajes” con Paco Meléndez en el reparto. La respuesta de los espectadores era de zozobra y reflexión, exactamente lo que buscábamos. Los diálogos, el perfile y desarrollo de los personajes, la dirección provoco que la obra se fuera con cada uno de nosotros, no solamente con aquellos que ocupaban las butacas durante las funciones. Fue así que, después de un número considerable de presentaciones y tras un receso que implicó ajustes hacia dentro del elenco, la obra retomó un segundo aliento bajo el título simple de “Gallos”. En este nuevo caminar la obra alcanzó páramos importantes como fue una temporada en el Teatro La Capilla en la ciudad de México, mostrando la calidad del teatro independiente de nuestra Bella Airosa.

La obra abre una nueva temporada mañana (u hoy, todo depende de cuando este usted leyendo esta columna) viernes 15 de febrero en el Foro Doble Nueve (lugar de más o menos de reciente apertura que está impulsando el teatro pachuqueño de manera importante, lo que merece ser comentado en otra oportunidad) en punto de las 20 horas. Es un montaje de Bocamina Teatral; actúan (haciendo un trabajo extraordinario) Edmundo Espinoza, Marcos Celis y Daniel Rivera quien también dirige. Es de verdad, un montaje extraordinario, sólo para adolescentes y adultos. Espero poder verlos por allí.

Otro ladrillo (rojo) en la pared

En un universo paralelo soy director de cine. He decidido filmar una pelicula de vampiros en Pachuca, digamos, adaptar un cuento de “Inquieta compañía” de Carlos Fuentes. El lugar ideal para rodar es la esquina de la calle de Julián Villagrán y la calle de Ignacio Allende. Ahí se ubica el único edificio de arquitectura gótica de toda la ciudad. No podría pensar en otro sitio. Alisto el equipo para rodar.

La gótica construcción es el Templo Metodista. Edificio emblemático del centro que se convirtió en el pretexto para que Daniel Escorza Rodríguez nos contara historias sorprendentes en su más reciente libro “Calles de ladrillo rojo / Breve historia de los metodistas en Pachuca”.

Digo que es un pretexto porque Escorza no se limita a la descripción física del inmueble, no solamente aborda el detalle arquitectónico y la historia que ello guarda, sino que se interna en sus muros y se encarga de seguir el rastro de una fascinante historia que estaca a Pachuca como la cuna de la diversidad religiosa en México. Hay que recordar que, por ejemplo, a mediados del siglo pasado se estableció en Pachuca el asentamiento judío no ortodoxo más grande de Latinoamérica; tanto que el parque aledaño al sitio lleva el nombre del padre del estado judío: David Ben-Gurión.

El Templo Metodista fue construido, en una primera versión, en 1874, aunque la presencia de metodistas “cornish” se remonta cincuenta años antes, en 1826 con la llegada de los primeros ingleses a Real del Monte y Pachuca. El material utilizado en ese momento y posteriormente, ladrillos rojos, característica constructiva que se volvería un sello del grupo.

A partir de ahí el desarrollo de esta comunidad religiosa va entrelazándose con la actividad social de nuestra ciudad y sus alrededores. Este elemento es probablemente el más interesante de la historia que nos cuenta; los metodistas no se encerraron en una comuna que secretamente iba tendiendo hilos sociales, no, al contrario, fue entremezclándose con una comunidad mayoritariamente católica, sin renunciar a sus preceptos básicos y estableciendo el respeto y la tolerancia en ese interactuar social.

Fue tal el impacto provocado en el tejido social pachuqueños de finales del siglo XIX y principios del XX, que la comunidad incubada en los muros del Templo metodista de Pachuca estableció dos de las instituciones educativas más importantes de la historia de la ciudad, las escuelas: “Las hijas de Allende” y la “Julián Villagrán”. Ambas instituciones gozaron de gran prestigio y prácticamente en cada familia de la ciudad hay al menos un miembro que haya pasado por sus aulas. Esto se debió a que el tracto moral de las clases, basado por supuesto en preceptos cristianos, pero sin ser una imposición al alumnado, permitió que por sus puertas cruzaran lo mismo hijos de la congregación, comunidad católica y hasta ateos; como una muestra más de esa tolerancia religiosa de las que les hablaba antes.

El libro narra también las historias personales de miembros destacados de la congregación metodista, las actividades corales de la misma e incluso las actividades periodísticas y de activismo social emprendidas por los más jóvenes; un garbanzo de a libra es el “Manifiesto de la liga Metodista de Jóvenes” al respecto de los hechos del 2 de octubre de 1968, única opinión publica emitida en el momento por un grupo religioso.

Daniel Escorza Rodríguez, miembro de número de la Academia Hidalguense de la Historia, nos regala un primer tratamiento histórico de un tema fundamental en la variedad de corrientes religiosas que abrevan de nuestra ciudad; seguramente a partir de este libro, otros historiadores retomen el tema y podamos ir conociendo, con profundidad, el impacto del protestantismo en general en Pachuca. Mientras tanto, leer “Calles de ladrillo rojo…” es una exquisita manera de adentrarnos en una de las muchas historias que se traman en nuestra ciudad.

Paso cebra

El libro ha sido cuidadosamente editado por Elementum, editorial independiente pachuqueña que esta realizando un trabajo sorprendente en las lindes editoriales de Hidalgo. Un saludo a Mayte y todo su equipo.

Saramago, la partitura de lo inagotable

¿Qué es el tiempo? La ruta que trazamos en este trozo de tela con que hemos representado esta dimensión; la vida es un pañuelo. ¿Cuánto de ese clínex VIP significan veinte años? ¿Apenas una esquina? ¿Dos? ¿La línea del doblés que lo cruza para poder guardarlo en el bolsillo? Tal vez un poco menos.

Esa línea, apenas esa línea fue la ruta que tuvo que surcar el más reciente libro publicado de uno de los autores más leídos, famosos e importantes de la literatura mundial: José Saramago.

“El cuaderno de años del Nobel” apareció a finales del año pasado para conmemorar el vigésimo aniversario del otorgamiento del premio de la Academia Sueca al autor más conocido de la lengua portuguesa: el primer Nobel de la literatura lusitana.

El libro durmió largo tiempo en algún resquicio del disco duro de la computadora del autor. Según cuenta en el prólogo, Pilar del Rio, viuda y principal traductora de Saramago, el archivo apareció durante largo tiempo en la lista de pendientes que constantemente atormentaban a José mirando como su tiempo era consumido por la celebridad literaria. En alguna muda cibernética, alguno de los asistentes fue compasivo y retiró el archivo a un sitio donde dejara de ser una presión, en un cajón que sin saberlo tenia la etiqueta de “olvido”. Atendiendo los preponderantes, nuevos proyectos y al fin la muerte, el diario del año 1998 quedo sepultado en el ostracismo. Hasta años recientes, Eduardo Lourenco, lo encontró entre los archivos, lo estudió y llego a la conclusión de que se trataba del cuaderno que correspondía al año determinante para Saramago. Lourenco opina que no encontró nada, que solamente fue testigo de cómo el libro se manifestaba por sí solo.

Este cuaderno, formaba parte originalmente de una serie de diarios que Saramago comenzó a trabajar en la década de los noventas con la idea de mantenerse escribiendo entre cada proyecto novelístico; se trataba del sexto cuaderno Los primeros (escritos entre 1993 y 1995) están compilados en “Cuadernos de Lanzarote” el cual tuvo un segundo volumen.

Nadie sabía que 1998 sería el hito en la vida del autor, ni siquiera él, por lo que el año comenzó nuevamente con el ejercicio del diario. En sus páginas podemos encontrar la vitalidad con que Saramago enfrentaba el ejercicio literario, sus observaciones puntillosas sobre la realidad que azotaba el mundo (por ejemplo, el movimiento Zapatista en México), además de dos aspectos sobre la literatura: el primero, sus reflexiones sobre lo que leía, y segundo algunas confesiones sobre su propio proceso de escritura. En este último e intimo nivel nos acompaña un Saramago sereno y sorprendido con las opiniones de sus lectores (los cuales ya se contaban como multitud aun antes del anuncio del premio), confesándonos por ejemplo que más que novelista, el autor se consideraba ensayista. Y es que, si se mira bien, cada libro habla de uno o varios temas (según cada lector, recordemos que nadie lee el mismo libro): “El viaje del elefante” es un ensayo sobre la inutilidad de los objetos que nos obsequian, “El evangelio…” sobre la culpa, “Las intermitencias de la muerte” sobre la finitud de nuestra vida y su valor, etc.

“El cuaderno…” es un disfrute absoluto para los saramagianos, pues tienen una característica que los hace autentico: esta inacabado. En algunos días, sobre todo en aquellos que se sucedieron ese año después del anuncio del premio, aparecen sólo con notas: nombres, lugares, el deseo de recordar un suceso, alguna noticia de un diario, etc. Seguramente el autor pensaba que, al momento de trabajar en la edición final, se dedicaría a complementar esas notas y “terminar” el libro. Sin embargo, en ningún momento perdemos la oportunidad de disfrutar a un Saramago que miraba, en ese momento, el río de su literatura, sonora e inmarcesible, desde una orilla, sin sospechar que, hacia principios de octubre, cuando el sino del Nobel lo tocó, estaría mirando al mismo tiempo desde la otra.

¿Por qué tardo veinte años en parecer este diario? La única respuesta posible es que, hasta ahora fue su momento. O como el propio autor lo explica, hasta ahora, era su “ahora”: “El tiempo tiene razones que los relojes desconocen, para el tiempo no existen el antes ni el después, para el tiempo sólo existe el ahora.”

La fiesta de la impertinencia

La herida estaba abierta y supuraba. A borbollones (que palabra más hermosa, que bien que la utilices), el pus líquido, inflamable y pestilente formaba una fuente, alta y ostentosa de muerte. Nosotros, minúsculos, pusilánimes y codiciosos, como enjambre enloquecido nos arremolinamos embelesados por los gases tóxicos, alucinógenos. La fiesta de la impertinencia.

Foto: Beto Allec

Eufóricos, marchamos al patíbulo que la noche escondía. Entre los dedos se escurría el tesoro codiciado, la oportunidad de unos pesos fáciles, la adrenalina de saber que hacemos algo prohibido, peligroso. El orgullo mientras las cubetas y las garrafas se llenaban torpemente bajo el chorro ingobernable del destino. El mareo se convirtió en alegría, una nube suave se posó sobre nuestro instinto de supervivencia, adormeciéndolo.

El azar, oportuno, nos dejó un registro videográfico del inicio del infierno. La cámara (el móvil, querrás decir), avanza atolondrado entre los autos. ¿Alguien pudo adivinar el pandemónium? ¿Qué de extraño tuvo ese instante para voltear la mirada? De pronto, lo que pronto sucedía. A lo lejos, donde minutos antes la luz de la tarde permitía precisar el horizonte inmediato, una pequeña luz comenzó a levantarse, fúrica, intolerante. En un segundo se volvió una bola de fuego que aspiraba al infinito. Las volutas enardecidas crecieron como la espuma, una espuma roja, incandescente. Tras el rugido del fuego, los gritos. A los lejos se adivinaron pequeñas antorchas que se movían a ras de suelo. Éramos nosotros, envueltos en llamas, corriendo, tratando de escapar del destino urdido por nuestras propias manos.

Tras el primer rugido de la bestia de fuego, nuestros gritos. Los lamentos y la desesperación de sentir la carne ajada por el fuego. La respiración llena de miedo, la bocanada de aire limpio que no llega. Nuestras ropas se iban consumiente mientras nuestros pasos libraban el sinuoso alfalfar. Gritos y más gritos. Llanto. Lamentos por doquier. Mujeres, hombres y niños consumiéndose por la codicia y la ignorancia. Eso somos, la consumación de lo que anhelamos. “¡Ruédate, ruédate!” La tierra y el polvo del que renegamos podía ser nuestro alivio. La tierra que nuestros padres nos enseñaron a cultivar podía apagarnos. “¡No! ¡Échame agua! Me voy a morir, échame agua.” Las lumbreras se alejaban del huracán de fuego, presurosas caían y, con suerte, las envolvía una leve humareda, el escalofrió que provoca el olor a carne quemada. Carne viva, quemada. Latidos desbocados, que se acallan.

La cámara del móvil, estoica. Los ojos que son los primeros en posarse en esa pantalla no dan crédito a lo que miran. Se vuelven un recuerdo que se repetirá una y otra vez hasta el cansancio, hasta que todos en el mundo se vuelvan testigos de lo ocurrido. Se volverán las imágenes que nos persigan durante los próximos días, recordándonos la insipiencia de nuestra valentía. La noche se ha vuelto dantesca. La fiesta ha terminado. La celebración se ha apagado cuando la realidad se ha encendido. Las risas vueltas llanto, mucho peor, vueltas silencio.

Los cuerpos crujen, la vida se escapa, también a borbotones. Aquellos que se quedaron a pacer en el corazón del infierno se volverán humo. De algunos quedará un trozo, varios trozos, como piezas que no encajan en la memoria de lo que fuimos. Ennegrecidos retazos, carbón que antes fue diamante de anhelos. Leños de una fogata que los llevó al rojo vivo, al rojo muerto. Fogata que los arrebató de los afectos y del destino de los que miramos, desde lejos, la hoguera donde nos fragmentamos.

Ya nunca seremos los mismos. Seremos muchos aun siendo nosotros. Creyendo ser nosotros, seremos los que se consumieron, los que arrastraron su ardor por la tierra barbechada, los que deambulan buscando un indicio que de vuelco a lo inexorable, a lo que ya no ocurrirá. Seremos lo que nos dejó el fuego.

Foto: Beto Allec

Elogio ciento cincuenta

Llegó a vivir aquí de manera fortuita. Una decisión casi visceral. Su familia había venido a pasar un día del fin de semana en los Prismas basálticos. Al volver a su ciudad pararon a comer algo en el centro. Se enamoraron de inmediato del ambiente provinciano del Reloj y su plaza. A la semana siguiente volvieron, compraron el periódico y rentaron una casa. La mudanza se realizaría al siguiente fin de semana. Así lo hicieron. En cuestión de dos semanas la vida cambió de residencia.

Al llegar se sentía de vacaciones. Como si fuera a pasar aquí solo un par de semanas, tal vez dos meses, pero con la sentencia impertérrita de volver a la gran ciudad a continuar con la vida. El primer día libre después de la ardua labor de desempacar se vistió con bermudas, una playera ligera, un par de tenis y salió a conocer la ciudad. Una ciudad se conoce solamente caminándola, le había dicho su padre. Fue desde la colonia Doctores hasta la calle de Abasolo, donde se ubicaba la oficina principal de la universidad. En el trayecto que le tomó unos 40 minutos encontró calles y rincones nuevos, intocados por su memoria y listos para ser inaugurados con futuras nostalgias. Miro a la gente. Se cruzó con mujeres que llamaron su atención. Miro el cielo azul que le había sido siempre escatimado por la nata contaminante que cubría la ciudad donde nació. Los jardines, las fuentes. Los nombres desconocidos de las calles, la traza de plato roto con alevosía. El sol que quema después de un rato y la sombra que con argucia le llevaba a titiritar. Su sensación de beneplácito se acentuó, pasaría una buena temporada de gozo en aquella ciudad de abril engañosamente primaveral.

El calculo de la estancia se fue alargando. Las semanas se acumularon en meses y los meses en un par de años. Las personas que aparecían se fueron volviendo amigos y los ratos de ocio comenzaron a transformarse en verdadera alegría. Las clases de ingles en la ciudad universitaria, las de italiano y francés. Las compañeras que bailaban folklor con Álvaro Serrano. El teatro en el medio de la plaza con el nombre de Juárez. La calle de Guerrero para tomar un helado. Los barrios altos, las minas deslucidas de su otrora gloria. La ciudad que cabía en diez o quince minutos de viaje. Los taxis colectivos. La gente fría, parca, ocultando un corazón amable. La sorpresa que mostraban al saber que era “chilango”. Las ganas que le aparecieron de pronto por dejar de extrañar la capital. Los viernes y sábados bebiendo cerveza mientras se paseaba por la ciudad, una y otra y otra vez. La barbacoa como elixir a la resaca en El Atorón. Las fiestas que terminaban en risas. Las ganas al día siguiente de hacer algo mucho más tranquilo. El único cine al que podía irse a ver películas “jolibudences”. El tesoro encontrado en el cineclub del Romo de Vivar. Las obras de teatro. El piano del café Reencuentro y el Vienes que allí servían. Otra mujer que lo atraía. Caminar a su casa cruzando el Rio de las Avenidas y las canchas de basquetbol a un costado de lecho. Poder caminar entrada la noche sin el temor al asalto. Dejar abajo las ventanillas del coche y encontrarlo en el mismo sitio después de hacer el súper. 

Ir a la universidad. Trabajar. La oportunidad de reportear conociendo todo el estado. La carretera interminable a Huejutla. Las enchiladas con cencina, el pan con café por las mañanas. El sudor a toda hora. El mareo de ir más allá donde los nombres de los pueblos están por aprender. La gente de la provincia de la provincia, amable y hospitalaria siempre.

El valle desértico, las artesanías de concha de abulón. El geiser, el pueblo con aire revolucionario del oeste. Los llanos. El pulque. Los amigos, más amigos. Matrimonio. Hijos. Una entre todas las mujeres. La trova. EL jazz. La literatura. Sentirse de vacaciones por veintisiete años.

Marcial le había dicho que uno es de donde están sus vivos, pero también de donde están sus muertos. En esta tierra ya tiene varios. Aquí ha de quedarse.

Paso cebra

Feliz cumpleaños 150 al estado de Hidalgo.

Bibliófono; nuevo logo, enlace para escucharnos.

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Murakami, la insinuación y la metáfora

Hace ya muchos años (suficientes para negarme a precisarlos), uno de mis más queridos amigos, el armoniquista de blues Lalo Méndez, disertaba, mientras revelábamos las fotografías para “Jazzentiste”, disco a dueto entre Juan José Calatayud y Verónica Ituarte, sobre lo que es novedoso y la posibilidad de la novedad: “Si no hay nada nuevo bajo el sol… (entornaba los ojos a lontananza), entonces, ¡todo! es nuevo bajo el sol.” Coincidíamos que todo había sido dicho por el arte: las más íntimas y primitivas inquietudes del ser humano, abordadas innumerables veces por la pintura, la música, la literatura, etc. ¿Hay algo que nos quede por decir? Sí. Nos queda por expresar nuestra forma, nuestro punto de vista, nuestra manera de estremecernos con lo que ha hecho estremecer a todos los hombres y mujeres sobre la tierra; polimorfología que da rostro y esencia al arte.

Haruki Murakami parece partir de la premisa que Lalo y yo discutíamos en su más reciente libro “La muerte del comendador / libro 1”. Poseedor de un particular y ya probado estilo, eficiente para narrar y efectivo para atrapar, no trata de ocultarlo (mucho menos de transformarlo en pos de agradar a aquellos detractores que dicen que se repite en cada libro), por el contrario, lo asume y vuelve a urdirlo con habilidad en una nueva historia que aborda sus temas tradicionales: la memoria (que por definición incluye al olvido), la pérdida, la soledad, la duda y la esperanza. Incluso, el propio autor deja rastro de esta apuesta en la voz de su protagonista cuando éste dice: “Lo importante no es crear algo desde la nada, sino, más bien, encontrar algo distinto entre lo que ya existe”.

La historia parte de lugares ya visitados por la literatura de Murakami: arranca cuando el personaje principal sufre una pérdida afectiva que saja su vida. En este caso, el protagonista, un retratista connotado que como el autor es efectivo y eficiente en el proceso de llevar el rostro de sus clientes al lienzo, se separa de su esposa cuando está le confiesa una infidelidad y le pide el divorcio. Después de peregrinar por unos meses se muda a vivir la montaña, habitando una casa que antes fue hogar de un pintor tradicional japonés famoso. Siendo él mismo un retratista reconocido cae en la tentación de afrontar un último trabajo: el retrato de un personaje misterioso y cautivador que resulta ser su vecino. A partir de ahí el autor logra magistralmente sostener una tensión durante todo el libro, el cual, cuando parece que va a estallar y resolverse, se metamorfosea para mantener al pez en el anzuelo, es decir, al lector en la lectura.

En la casa, el famoso pintor dejó escondido un último cuadro, que muestra, en el más puro estilo nipón, la muerte del comendador. En esa imagen se esconde un secreto, y a la vez, se cifra un recuerdo que engarza el destino de todos quienes se acercan a él. El cuadro es el reflejo de la novela misma: “La esencia del cuadro es la insinuación y la metáfora”.

Como todos los libros de Murakami, esta historia tiene también una banda sonora (detesto decir soundtrack aunque suene más rimbombante) de música clásica y que ambienta la trama so pretexto de la amplia colección de acetatos del famoso pintor. Sin embargo, la historia está salpicada con algo de jazz: Thelonious Monk y el Modern Jazz Quartet, y hasta un poco de Sheryl Crow.

En estas páginas Murakami se insinúa con aplomo y convierte a la pintura, particularmente el arte del retrato, en metáfora de la vida, que es al fin de cuentas, la materia prima con que éste eterno candidato al Nobel, trabaja.

“La muerte del comendador /libro 1” es un buen pretexto para entrar en el universo murakaniano si aún no se le conoce, y por supuesto, una extraordinaria nueva experiencia para sus seguidores.

Paso cebra

El 15 de enero aparecerá en España la traducción al castellano de la continuación de esta historia, es decir, el Libro 2. Esperemos que no tarde en llegar a los escaparates librescos mexicanos pues, he de confesar, ya se me queman las habas.

Salinger entre el centeno

Ilustración: May J.

Este año empezó con un centenario. El de uno de los autores norteamericanos más importantes en la historia de la literatura universal (¿Por qué decimos universal, conocemos la literatura marciana o venusina? ¿Si una raza alienígena apareciera nos detendríamos, en medio de la invasión extraterrestre a la que tanto a temido la ciencia ficción, a preguntarles si crean literatura? ¿Entre sus pertrechos de conquistadores intergalácticos, traerían un libro? ¿Podríamos intercambiárselos por los nuestros como signo de paz?) Corrijo, en la literatura mundial. Me refiero a J.D. Salinger.

Cuando recordé que el primero de enero de 2019 se cumplirían cien años del nacimiento de este autor pensé en escribir algo sobre él y su legado literario. Al paso de los últimos días del 2018 las dudas me asaltaron; estaba leyendo un par de novelas, aprovechando las vacaciones y el encierro familiar, de las que se me antojaba hablar con prontitud. Sin embargo, una pifia tuitera como perla negra encontrada la mañana del 1 de enero, me convenció. El tuit en cuestión proclamaba el centenario del escritor norteamericano “Jerome David”, autor de la novela “El guardián entre el centeno”. Me sorprendió la falta de cuidado y el nivel de analfabetismo literario del redactor en cuestión. Me imagino el flujo de pensamiento (no sin cierta malicia, claro): “Vamos a buscar las efemérides de hoy… Mmmhhh… ¡Esta! ¡Un escritor! ¡Y famoso! Eso nos hace ver cultos… Mmmhhh… Copio… Pego… Mmmhhh… Le quito el apellido materno para ahorrar caracteres… ¡Listo!” Pero ni Salinger era el apellido materno, ni el simple nombre de Jerome David es el referente del autor. Ese tropiezo, me hizo evidente la necesidad de revisitar a Salinger y su obra detonadora.

Jerome David Salinger nació el 1 de enero de 1919. No en el campo como se creía al adentrarse en su obra, por el contrario, vio la luz primer en Manhattan, Nueva York; la urbe, la más cosmopolita de todas las urbes del mundo. Comenzó a publicar en 1940, en una revista de relatos y dramaturgia, textos que había escrito en una breve estancia en Europa, continente al que volvería como parte de las tropas que participaron en la Segunda Guerra Mundial. De hecho, fue un héroe de guerra, participó en la mítica y sangrienta batalla de Normandía; la dantesca puerta que los aliados usaron para entrar por el frente occidental a la Europa ocupada por los Nazis. En esa época de combatiente que Salinger comienza a escribir “El guardián entre el centeno”, novela que se publicaría en 1951, causando una verdadera conmoción en el ámbito literario de la mitad del siglo XX.

“El guardián entre el centeno” es una verdadera epifanía; en ella se oye la voz de un adolescente (Holden Caulfield, un Huck Finn moderno) enfrentado contra el hipócrita mundo de los adultos, cargada con grandes dosis de ironía, que reflejaba el despertar inevitable que ya estaba aconteciendo en la sociedad norteamericana. Salinger hizo de su primera novela un espejo, donde los norteamericanos se miraron y a partir de esa imagen se transformaron. Es, a mi gusto, la chispa que detonó toda la pólvora humedecida en los corazones de la generación llamada “Baby Boom” y que traería, como consecuencia postrera, todos los cambios ocurridos en el mundo, particularmente en los años 60.

Lo que Walt Whitman labró en el inconsciente poético norteamericano, J.D. Salinger lo hizo en el cociente narrativo. Echó toda la carne al asador en esa opera prima, la cual por supuesto, marcaría el resto de su obra que, aunque no desmerece en absoluto, siempre se ha visto injustamente supeditada; destacan sus primeros cuentos publicados en The New Yorker a finales de los 40. Su narrativa, tersa y realista, sembró una semilla de incisivo análisis, encarnando la conciencia colectiva de la época y marcando, además, los rumbos que tomarían las generaciones literarias subsecuentes. Vale la pena aprovechar el centenario y leerle, para que nunca otra vez omitamos su apellido al mencionarlo.

Paso cebra

Aún estoy a tiempo para desearle a los lectores un extraordinario Año Nuevo, deseándoles parabienes absolutos en este mundo de relativos. Un abrazo. Hasta la próxima semana.

La cultura en tiempos de la 4T

Desasosiego, por decir lo menos, ha causado entre la comunidad cultural e intelectual mexicana la disminución propuesta por el nuevo gobierno de la República al presupuesto correspondiente al rubro cultural para 2019. La disminución, inmediatamente pública gracias a la vertiginosidad de las redes sociales, mostraba un 6% menos del referente de de 2018, para situarse en un monto de 12 mil 394.10 millones de pesos. Tal vez parezca una consecuencia de la austeridad republicana que fue enarbolada durante la campaña, pero aparentemente se trató de un mal calculo que “alguien” realizó.

Lo cierto es que los números plantean un panorama desalentador para el desarrollo cultural de nuestro país. Sobre todo, si consideramos la expectativa que se genera con las propuestas de la izquierda por tradición plantea entre creadores, promotores culturales e intelectuales. Parecería que el cambio de rumbo político que enfila sus afanes a los más necesitados es acompañado por un espíritu de utilizar la cultura como una forma de fortalecer la identidad y hasta de elevar la sensación de bienestar social incrementando en el sentido re-creativo el nivel de vida de los ciudadanos. Entonces el desencanto es profundo, la esperanza de elevar el porcentaje del PIB que se destina a la creación y promoción de la cultura se desvanece.

¿Toda la culpa es del presidente? Tal vez, sin embargo, es evidente que López Obrador es culto. Mencionar al poeta tabasqueño Carlos Pellicer en su discurso de agradecimiento en la noche del triunfo electoral es un gesto emblemático; a Pellicer lo conoció cuando entró a trabajar en el Centro Coordinador Indigenista Chontal en 77 y fue su amigo cercano. Quienes le rodean lo refieren como un lector ávido, con autores de cabecera, cercano y amigo de intelectuales (Poniatowska, Monsiváis, los Pérez Gay) cuando fue Jefe de Gobierno, incluso autor riguroso según los editores de sus libros.

En el documental que revisa su vida dice de la cultura: “(…) es la que nos ha permitido resistir todas las calamidades; somos lo que somos, no nos hemos desintegrado por nuestras culturas, por eso hemos resistido epidemias, terremotos, malos gobiernos, por nuestra cultura”.

¿Dónde entonces la puerca torció el rabo? Por un lado, legisladores ajenos al rubro insertos en la comisión de cultura del Congreso; no es lo mismo dedicarse al entretenimiento como “artista” consentido de una televisora, que enfrentarse a la carencia y el rechazo con que los promotores culturales de este país trabajan todos los días. “Pero el presupuesto lo planteó hacienda” pensará usted, pero lo cierto es que, si no se saben armar los proyectos culturales, si no se saben defender, la autoridad financiera no los auspicia por desconfianza. Ahora el diputado Sergio Mayer pretende ser el superhéroe de la comunidad artística prometiéndoles rescatar lo perdido, sin embargo, sus limitaciones, su carácter prepotente denunciado ya por empleados cercanos y sobre todo su inexperiencia cultural, son malas señales. Es muy probable que nada pueda hacerse, al menos desde la tribuna más alta de la Nación.

Tal vez, un elemento que no hemos considerado, y que puede agravar el panorama es saber si Andrés Manuel es un “Consumidor de Cultura”, es decir, si el presidente ha considerado proyectar la cultura como una industria de bienestar que vaya más allá de lo “recreativo” para convertirse en un espacio donde los mexicanos podamos re-crearnos (volver a crearnos) y enfrentar los problemas cotidianos que tienen que ver con la violencia e incluso con la economía. Plantear un ejercicio cultural que no solamente sea admirado desde el exterior, sino que genere públicos hacia dentro de nuestro territorio y vaya forjando una conciencia del consumo cultural (y por ende de públicos) como forma de impulsar la constancia de la creación artística.

Ya el presidente dijo, el martes pasado en el municipio de Francisco I Madero, que la disminución al presupuesto de universidades publicas había sido un error que se corregiría, ¿sucederá lo mismo con el presupuesto para cultura? Ojalá.

Un Gato seco y un Macehual

Hace algunas semanas se anunciaron los Premios Estatales de Cultura 2018. Esta iniciativa de Secretaría de Cultura de Hidalgo arrancó el año pasado y fue muy bien recibida por el gremio artístico y cultural, pues siempre resulta un aliciente la posibilidad de encontrar el nombre propio en la lista de ganadores. En seis categorías que llevan el nombre de seis de los más importantes creadores, promotores culturales e investigadores que ha dado Hidalgo, se procura reconocer diversos campos del quehacer cultural.

Este año los ganadores fueron: el guitarrista Martín Candelaria con el premio al Mérito Artístico, Ma. Teresa Rodríguez; Jacinto Cruz Huerta con el premio Promoción de las Lenguas Originales, Idelfonso Maya; Aurora Ramírez en la categoría de Artes y Tradiciones Populares de Hidalgo, Francisco R. Luna Tavera; el fotógrafo Heladio Vera en la categoría de Investigación del Patrimonio Histórico y Artístico, Elisa Vargas Lugo; y dos escritores, amigos cercanos: Feliz Castillo García, el “Gato Seco” con el premio a la Trayectoria Literaria, Margarita Michelena; y el tepejano Octavio Jiménez con el premio Promoción y Difusión de la Cultura Popular, Raúl Guerrero Guerrero. Hoy quiero trazar un acercamiento a estos dos últimos personajes de nuestras letras.

Octavio Jiménez el Macehual

Octavio es uno de los protagonistas de la cultura de Tepejì del Río. Impulsado por su amigo y maestro José Antonio Zambrano. Desde muy joven se involucró en talleres literarios, por un lado, y por el otro, en la participación diligente en las actividades de la iglesia local con advocación a San Francisco de Asís. En algún momento de su búsqueda como creador, estas dos tareas coincidieron dando paso a su primera publicación: "Entre Peñascos, Costumbres, Tradiciones y Patrimonio Cultural de Tepeji de Río", libro donde muestra sin pudor el amor que siente por su terruño, su patria chica.

El empeño de este “hermano Macehual” se enfiló hacia la literatura como resultado natural a sus procesos tallerísticos con Zambrano, dando como resultado tres libros fundamentales para entender el desarrollo de las letras hidalguenses en los principios del siglo XXI: la colección de cuentos “Cofradía de pájaros muertos”, el poemario “Cuervos del alma” y la antología “Ecos del Tiempo”, este último de gran resonancia a nivel regional. Además de colaborar estrechamente con Zambrano para sostener (por más de 25 años ininterrumpidos) el Ciclo Literario de Tepeji del Rio como una de las actividades culturales más antiguas de nuestro estado.

Octavio es un escritor comprometido con sus letras, con la difusión del trabajo de otros escritores, pero sobre todo con la promoción de las tradiciones y cultura de su pueblo, lo que lo hace un acreedor natural e indiscutible de este premio que reconoce esa entrega.

El Gato Seco

El caso de Félix Castillo en la literatura pachuqueña es más que peculiar. Minero desde muy joven, obtuvo su apodo por su escuálida complexión poco prometedora para el trabajo rudo de la extracción del mineral. Sin embargo, esos años bajo tierra alimentaron su memoria con un sinfín de historias que fue atesorando sin un fin específico. Al cabo de un tiempo, los primeros rastros de silicosis y una oportunidad laboral diferente lo extrajeron de las entrañas de Pachuca para depositarlo en las cabinas radiofónicas, donde fue dando forma, gracias a lo escuchado, visto y vivido en la mina, a una serie que duró muchos años al aire titulada “Leyendas Hidalguenses”. Pero, su deseo de preservar esa oralidad de los barrios altos de la capital hidalguense, lo llevo a conformar un libro titulado “Personajes de barrio”, logrando que en sus páginas el lector percibiera las costumbres, la forma de hablar, de comportarse, las peripecias, las desventuras, las anécdotas de los pobladores de las faldas de los cerros que forman el estrecho donde se fundó esta ciudad. 

Se volvió un depositario de una literatura que, de otra manera, solo podría sobrevivir de boca a oído, con el altísimo riesgo de desaparecer. Este reconocimiento se había tardado en caer en sus manos.

Felicidades a ambos. Tengo el orgullo de conocerlos y haber compartido proyectos culturales con ambos. Se les admira.